Was ist Maiolica Arcaica?
Wer von Maiolica Arcaica spricht, spricht von einer der charakteristischsten Formen der mittelalterlichen italienischen Keramik. Doch schon der Name erzählt etwas über ihre Geschichte.
Warum heißt sie „Maiolica Arcaica“?
Das Wort Maiolica (Majolika) ist mit der Geschichte des Handels im Mittelmeerraum verbunden und wird traditionell auf Mallorca zurückgeführt, eine der Balearischen Inseln, über die Keramik aus der islamischen und hispano-maurischen Welt nach Italien gelangte.
„Arcaica“ (archaisch) bedeutet dagegen nicht einfach „sehr alt“. Der Begriff wurde von Forschern verwendet, um eine der ersten Phasen der italienischen Majolika zu bezeichnen – in Anlehnung an eine Bezeichnung, mit der bereits die ältesten Phasen der griechischen Keramik unterschieden wurden.
Die Maiolica Arcaica entwickelt sich ab dem 13. Jahrhundert in Mittel- und Norditalien, zu einer Zeit, in der sich die Techniken der Keramik mit Zinnglasur zu verbreiten beginnen und in verschiedenen Regionen der Halbinsel weiterentwickelt werden.
Die Majolika des nördlichen Latium
Im nördlichen Latium findet diese Tradition bedeutende Produktionszentren und bringt eine besonders formen- und dekorreiche Herstellung hervor.
Es gibt kein einheitliches, starres Repertoire an Formen und Dekoren. Die Motive zirkulieren, werden aufgegriffen und neu interpretiert, verändern sich von Werkstatt zu Werkstatt und passen sich dem Geschmack und der Kultur der Region an.
Geometrische Dekore, Pflanzenmotive, Tiere, Fabelwesen, religiöse Symbole und heraldische Elemente begegnen sich auf Objekten, die nicht nur zum Betrachten entstanden sind.
Eine Keramik für den Gebrauch
Die Maiolica Arcaica war vor allem Tafelkeramik.
Schalen, Schüsseln, Krüge, Becher und andere Gefäße gehörten zum Alltag. Es waren Objekte zum Aufbewahren, Servieren, Essen und Trinken.
Dieser Aspekt ist wichtig, weil er verändert, wie wir diese Objekte heute betrachten können.
Hinter einer bemalten Oberfläche steht zunächst ein Gegenstand, der funktionieren musste. Eine Schale musste sich gut halten und benutzen lassen; ein Krug musste fassen und ausgießen können; ein Becher musste bequem zu greifen sein.
Der Dekor kam auf eine Form, die bereits ihre eigene Funktion hatte.
Und genau hier beginnt einer der spannendsten Aspekte der Maiolica Arcaica.
Warum gerade Kupfergrün und Manganbraun?
Wenn es eine Farbkombination gibt, die wir sofort mit der Maiolica Arcaica verbinden, dann ist es die aus Kupfergrün und Manganbraun.
Der helle, deckende Grund entsteht durch die Zinnglasur, auf die die Dekore gemalt werden. Das Grün stammt aus Kupferverbindungen, das Braun aus Mangan.
Diese Farben sind das Ergebnis einer Technik und von Materialien, die die Keramiker kannten und verwendeten. Kupfer und Mangan kamen in verschiedenen Gegenden der italienischen Halbinsel vor und gehörten zur Welt der Mineralien, mit denen die Keramiker in Berührung kommen konnten.
Doch auch die Palette blieb nicht immer gleich. In den ältesten Produktionen tauchen auch andere Töne auf, darunter das aus Eisen gewonnene Gelb. Mit der Zeit wird der Kontrast zwischen hellem Grund, Grün und Braun immer charakteristischer: eine vergleichsweise einfache, aber äußerst wiedererkennbare Palette.
Wenn der Dekor auf die Form trifft
Der Dekor wird nicht einfach auf die Form aufgetragen: Oft bestimmt die Form selbst, wie der Dekor aufgebaut wird.
Eine Schale ist keine Leinwand. Ein Teller ist keine ebene Fläche. Ein Becher hat eine Rundung, einen Rand, eine Verengung, einen Henkel.
Wer bemalt, muss mit all dem arbeiten.
Ein Motiv kann sich daher strecken, um einer Wandung zu folgen, sich krümmen, sich entlang eines Bandes wiederholen, vor einem Rand abbrechen oder sich verwandeln, um sich dem verfügbaren Raum anzupassen.
Dekor und Form werden so zu zwei Teilen ein und derselben Sache.
Besonders deutlich wird das bei den geometrischen Motiven. Flechtbänder, Bänder, Gitter, Linien und Verschlingungen dienen nicht nur der Verzierung: Sie helfen, die Fläche zu ordnen, zu gliedern und ihr einen Rhythmus zu geben.
Doch was geschieht, wenn eine Figur in den Raum passen muss?
Die Leere und die Fabelwesen
Bei der Betrachtung vieler mittelalterlicher Kunstwerke hat man den Eindruck, dass die Leere nicht einfach ein Raum ist, den man leer lässt.
Flächen, Ränder und Dekorfelder werden häufig durch Figuren, Zeichen und Ornamente gegliedert. Diese Tendenz wird oft mit dem Ausdruck horror vacui, „Angst vor der Leere“, beschrieben.
In der mittelalterlichen Kunst ist das Problem sehr konkret: Wie ordnet man den Raum, der zur Verfügung steht?
In der Keramik wird das Problem noch deutlicher: Die verfügbare Fläche wird durch die Form des Gefäßes bestimmt. Wenn eine Figur hineinpassen soll, muss sie sich dieser Form anpassen.
So kann sich eine Figur strecken, krümmen, kleiner oder größer werden, sich in sich selbst zusammenfalten.
Auch in dieser Beziehung zwischen Figur und Raum lässt sich die Präsenz von Fabeltieren, Mischwesen und grotesken Figuren in der mittelalterlichen Kunst und Keramik besser verstehen. Nicht alles muss getreu nachahmen, was in der realen Welt existiert.
Die Figur muss auch in dem Raum funktionieren, der sie umgibt.
Und so entsteht eine erstaunlich freie Bilderwelt, in der Tiere, Menschen, Pflanzen und Fabelwesen verwandelt und neu kombiniert werden können.
Eine Sprache aus Zeichen
Der mittelalterliche Maler erzählt nicht unbedingt in großen Szenen. Seine Sprache besteht aus Zeichen, Figuren und Elementen, die erkannt und zueinander in Beziehung gesetzt werden können.
Die religiöse Dimension ist besonders wichtig. Viele Bilder verweisen auf die Bibel, das Leben Christi, die Heiligen oder die christliche Symbolik. Eine Szene kann durch eine Figur erzählt werden oder durch eine Reihe von Zeichen, die zusammen erkennbar werden. Ein Kreuz, ein Lamm, die Leidenswerkzeuge können genügen, um eine viel größere Geschichte heraufzubeschwören als die, die tatsächlich auf der Oberfläche des Gefäßes Platz findet.
Doch Bedeutung entsteht nicht nur durch explizite Bilder. Sie kann auch in der Wiederholung liegen, in der Anordnung, in der Zahl, in der Symmetrie, in der Stellung eines Elements zu den anderen. Was uns als dichtes Geflecht von Zeichen erscheint, kann also nach einer genauen Ordnung aufgebaut sein.
Und genau hier wird das, was wir heute in Strich und Figurendarstellung als naiven Dekor betrachten könnten, in seiner Bedeutung alles andere als naiv.
Mittelalterliche Bilder folgen Konventionen, die es dem Betrachter ermöglichen, sie zu erkennen und zu deuten. Auch wenn die Zeichnung schlicht wirkt, ist die Wahl einer Figur, ihrer Stellung oder ihrer Kombination mit anderen nicht unbedingt zufällig – und die Möglichkeit, dass ein Bild auf etwas jenseits des Dargestellten verweist, ist fester Bestandteil dieser Bildkultur.
In dem, was wie ein Chaos aus Figuren, Verschlingungen und Ornamenten erscheinen mag, ist also nichts unbedingt dem Zufall überlassen. Die Form des Gefäßes, der verfügbare Raum, der Rhythmus des Dekors und die Bedeutung der Bilder wirken zusammen und bilden ein einziges System.
Unsere Maiolica Arcaica
Auch von dieser Sprache gehen wir in unserer Arbeit aus.
Wir versuchen nicht einfach, ein mittelalterliches Objekt nachzubilden oder ein fertiges Bildrepertoire auf eine zeitgenössische Form zu übertragen. Die Maiolica Arcaica zu studieren bedeutet vor allem zu beobachten, wie Form, Zeichen und Bedeutung gemeinsam ein Objekt aufbauen können.
Für uns entsteht der Dekor aus der Beziehung zur Form: aus ihren Rundungen, aus den Räumen, die sie schafft, und aus der Art, wie die Zeichnung ihnen folgen, abbrechen, sich wiederholen oder verändern kann.
Es ist eine Tradition, die wir nicht als etwas Unbewegliches betrachten, sondern als eine Sprache, die studiert, interpretiert und immer wieder neu verwandelt werden kann.